Antigone im Theater Basel

«Wo's Mami gmerkt het, dass ihr Schicksal sie betrüegt mit ihrem Sohn»

Uraufführung am Theater Basel

Spass am «Ärger mit Bartleby»

Kaffee oder Sterben

Dreigroschenmonster

Die ideale Inszenierung der Dreigroschenoper ist und bleibt ein Traum. Wer das Theater liebt, hat ihn schon geträumt: schmissig-leicht und bissig-gesellschaftskritisch soll sie sein, «unsere»Dreigroschenoper, lustvoll-eingängig und geistig anspruchsvoll. Regisseur Antú Romero Nunes hat seine erfolgreiche Hamburger Inszenierung von 2015 nach Basel gebracht und mit der hiesigen Kompagnie überarbeitet – mit durchzogenem Erfolg. Der Traum bleibt ein Traum. 

Die Dreigroschenoper trägt den Untertitel «ein Versuch im epischen Theater» und erzählt den Konkurrenzkampf zwischen zwei Geschäftsleuten in London: Unternehmer Peachum ist Inhaber der Firma «Bettlers Freund», die ihre Angestellten auf Elend trimmt, um mit Bettelei Gewinn zu machen. Der Räuber Mackie Messer und seine Bande ist auf direktere Gewalt spezialisiert, um Geld zu «verdienen». Sein Basiskapital ist seine Freundschaft mit dem Polizeipräsidenten der Stadt. Die Handlung kommt in Gang, weil Peachums Tochter sich mit Mackie Messer verheiratet, was das Geschäft des Vaters zu ruinieren droht. 

Vielversprechend fängt der Abend an. Peachum – gespielt vom virtuosen Jörg Pohl – präsentiert sein Geschäft, das darin besteht, menschliche Regungen zu erzeugen, die so heftig sein müssen, dass der Mensch sich zu der unnatürlichen Handlung verleiten lässt, Geld zu geben. Die Verwandtschaft mit dem Theater ist unübersehbar. Peachum/Pohl macht sich einen Spass daraus, das Publikum daran zu erinnern, dass es teuer bezahlt hat, um das Bettlerelend auf der Bühne zu sehen. Ein Opernplatz in Basel kostet zwischen 30 und 120 Franken. Peachums Prolog hat Biss und Leichtigkeit. Beides geht im Verlaufe des Abends verloren.  

Zunächst aber sei gesagt: Regisseur Nunes hat sich eine grundlegende Methode des epischen, des erzählenden, Theaters auf eine höchst produktive und eigenständige Art angeeignet, nämlich die schnellen Perspektivwechsel, die Aus- und Einstiege in die Rollen. Die Spielenden fühlen sich in ihre Figuren ein, aber sie fühlen sich auch wieder aus. Die Figuren kündigen sich an: «Auftritt Peachum» sagt der Spieler des Peachum, bevor er als Peachum loslegt.

Das Theater wird reflektiert durch allerhand eingebaute Texte von Brecht. So können die Spielenden ihr Spiel anhalten, kommentieren, wieder aufnehmen oder ein Szene wiederholen. Sie können den tyrannischen, herumbrüllenden Regisseur alter Schule zeigen, etwa wenn Peachum einen neuen Angestellten einweist. Ein Schauspieler sagt plötzlich: «Und in diesem Moment und bevor die Hauptfigur etabliert wird, bauen wir, um die Spannung zu erhöhen, ein retardierendes Moment ein». Grundsätzlich schlüpfen die Spielenden für Kommentare von aussen in die Brecht-Maske: Mütze, Zigarre, gebeugter Gang. Das verliert sich allerdings mit der Zeit – und man weiss nicht mehr, warum die Brecht-Figur auftaucht. 

Die Bühne bleibt leer. Die Spieler*innen schildern alle Requisiten und Schauplätze mit Worten, imitieren Gesten und Geräusche, etwa beim Öffnen von Türen, und beschimpfen gelegentlich ihr eigenes Bühnenbild, die beweglichen, von oben herabschwebenden Neonröhren. 

Nunes hat eine Spielweise erfunden, die schnell Übergänge und harte Brüche erlaubt. Direkt an das schmalzige Liebeslied zwischen Mackie und Polly, drangeklebt sozusagen, sagt Polly: Der kommt nicht wieder! Was so viel heisst wie: es ist aus.

Grosse Klasse sind die langen Pausen, die das klischierte Hören der allzu bekannten Songs aufbrechen. «Denn wovon lebt der Mensch?» Wir sind gewohnt, sofort die Antwort zu hören. Nunes setzt eine lange Pause, die die Frage zu einer echten Frage an uns macht. 

Die grosse Gefahr für Regisseur und Kompagnie sind: der Klamauk, das Überdrehte, die Spässe, die Clownerien, die Schauspieler-«Kisten», die artistischen Einlagen halb pantomimischer Art. Nichts Grundsätzliches ist gegen sie einzuwenden, natürlich nicht, sie gehören zum schauspielerischen Handwerk. Aber sie müssen eine Form, eine Funktion und eine angemessene Länge haben. Sie verselbständigen sich gerne und dehnen sich aus. Die Schlägerei bei der Verhaftung von Mackie ist zwar akrobatisch virtuos, aber zu lang, und sie beraubt mich jeder Möglichkeit, an heutige Polizei zu denken. Manches ist nach vielen Nunes-Inszenierungen einfach abgenutzt, z.B. die Macho-Parodien. 

Warum muss Elmira Bahrami, die als Jenny den Salomo-Song zu einem bitter-schönen Reflexionsmoment zu gestalten weiss, in eine stimmungskillende Feldherren- und Macho-Parodie verfallen, sobald sie den Name Cäsar ausspricht? Die Rumhamplerei beim Kanonensong wirkt verhamlosend, lenkt ab davon, dass hier Kriegsgurgeln in faschistoider Sprache von Rasse faseln. Insgesamt möchte man den sicher lustvoll improvisierenden Spielenden gelegentlich zurufen: kill your darlings! Und dem Regisseur sollte man eine Desex-Kur verordnen: In den nächsten sechs Inszenierungen wird der Pimmel nicht mehr angespielt. Das Grelle verleitet auch gelegentlich zur Oberflächlichkeit: spitze Schreie genügen einfach nicht, um Frau Pechum zu etablieren. 

In dem dreieinhalbstündigen Monster-Abend wird die Gesellschaftskritik eher marginalisiert, was bleibt ist, die stark betonte «sexuelle Hörigkeit» als Erklärung fürs Handeln. Der Basler Sven Schelker ist ein junger, überraschender, grossartiger Mackie Messer, der menschliche Tiefe gewinnt. Sein Business – Raub und Mord! – vergisst man leicht im Laufe der Aufführung. Die Verdrängung des Aktuellen und des Gesellschaftlichen wird durch die Kostüme befördert: Brecht-Bluse oder Unterwäsche, Assoziationen an heutige Manager sind da schwierig. Schade ist in diesem Zusammenhang, dass Jennys Lied vom Schiff mit acht Segeln und fünfzig Kanonen, das die Stadt zerstört und dem kleinen Abwaschmädchen Gewalt über Leben und Tod gibt – dass dieses Lied nur in verstümmelter Form und an unpassendem Ort erscheint. Die Gewaltphantasien der Erniedrigten und Beleidigten wären in Zeiten von Gilets Jaunes und Wutbürger*innen von höchster Aktualität.  

Kurt Weills Musik – wohl der Hauptgrund für die Beliebtheit der Dreigroschenoper – wird von einer Live-Band mit acht Musiker*innen unter der Leitung der Trompeterin Anita Wälti  auf der Bühne dargeboten. Schön! Aber die Band wird im Hintergrund der Bühne versteckt, zumeist ins Halbdunkel versenkt, hinter Nebelschwaden verborgen, und nur zur Sauce verdickt über Lautsprecher in den Saal geschickt. Sünde! Wie kann man nur! Die Spielenden und die Musizierenden haben keinen Blickkontakt, trotzdem klappt das Zusammenspiel (eine Leistung!) Dass die Zuschauenden aber die gesamte Soundproduktion nicht
klar sehen dürfen, widerspricht dem Geist des epischen Theaters total. 

Ein zwiespältiger Abend. Immerhin: Der zweite Teil, nach der Pause, ist dichter als der erste. Und die letzte Szene ein exquisite Überraschung. Die Dreigroschenoper ist ja unzerstörbar. Von der idealen
Aufführung aber träumen wir weiter. 

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Legendärer Theater-Hit

Theater Basel

Zaubertheater ohne Zauber

Kanton verweigert Gelder

Die Produktionsleiter*innen geben auf

Altes Stück neu gefasst

Digitaler Detox gescheitert

«Kim Kardashian, was sind deine Talente?» 

Eine ganze Generation will aussehen wie sie, sich fühlen wie sie und ein aufregendes Leben führen wie sie. 364 Millionen Menschen folgen Kim Kardashian auf Instagram. Die Produkte, die sie in die Kamera hält, werden weltweit zum Verkaufsschlager – ihre Selbstvermarktung hat ihr ein geschätztes Vermögen von fast zwei Milliarden US-Dollar eingebracht. 

Es scheint kein Zufall zu sein, dass die Premiere des Stücks «Kim» am Theater Basel auf den 8. März, den Weltfrauentag, fällt. Die Schauspielerin Nairi Hadodo schlüpft in die Rolle von Kim Kardashian und lässt das Publikum teilhaben am Leben und Denken einer Frau, die sowohl grenzenlose Bewunderung als auch tiefen Hass auslöst. Kim Kardashian hat sich die Regeln des Patriarchats zu eigen gemacht, indem sie ihren Körper als Objekt der Begierde inszeniert und ihr Image selbst kontrolliert. Gleichzeitig wirft das Phänomen Kardashian feministische Grundsatzfragen auf. Inwiefern lassen sich Geld, Macht, eine derartige Selbstdarstellung und jede Menge Make-up mit einem selbstbestimmten, modernen Frauenbild vereinbaren?

Kim Kardashians Kapital ist ihr Körper. Dabei muss sie immer wieder öffentlich Stellung nehmen, dass sie mehr kann, als lediglich «hübsch aussehen». Gleich zu Beginn des Stücks sagt sie: «Es gibt in meiner Karriere keine Frage, die ich öfter gehört habe, als: Kim, was sind deine Talente? Du kannst nicht singen, du kannst nicht tanzen, du kannst nicht schauspielern.» Es folgt eine kurze Kunstpause, Stille. «Wenn ich etwas wirklich kann, dann ist es mehr sein. In meiner Welt haben Glaube und Erfolg dieselbe Anzahl Buchstaben. Think about it.»

Kim Kardashian agiert in verschiedenen Rollen. Sie ist Geschäftsfrau, Person des öffentlichen Lebens, Mutter und Ikone. Sie vermittelt ein Bild von Stärke und Unabhängigkeit, ein feministisches Ideal der selbstbestimmten Frau, die beruflich erfolgreich ist und gleichzeitig ihre Rolle als Mutter von vier Kindern nicht vernachlässigt. Kardashian beherrscht das Spiel der Selbstvermarktung wie keine andere. Ihre Waffe ist das Selfie, ihre Plattform sind die sozialen Medien. 2015 wählte das US-Magazin «Time» Kim Kardashian zu einer der 100 einflussreichsten Persönlichkeiten der Welt.

Das Stück beginnt mit Tempo, lauter Musik und wirft zunächst einen Blick auf die schillernde Seite des Kardashian-Lebens. Im silbernen Glitzeroutfit stemmt sie Gewichte, duscht und tanzt mit nassen Haaren. «I’m a mother of four, a trendsetter», singt sie. Ihre Stimme ist kraftvoll, sie wirkt, als gehöre ihr die Welt. Über ihren damaligen Ehemann, den US-Rapper Kanye West, sagt sie: «I adopted Kanye. Man könnte sagen, ich habe ihn in meine Form aufgenommen. Man könnte sagen, ich habe ihm ein Zuhause gegeben. Man könnte sagen, ich habe ihm eine Familie gegeben. Einen sicheren Hafen gegeben. I owe him.»

Im Verlauf der Inszenierung wird jedoch auch die Widersprüchlichkeit Kardashians deutlich. Die Kritik an der Aneignung afroamerikanischer Kultur und der Vermarktung von Körperidealen verweist auf die komplexen Verflechtungen von Kultur, Geschlecht und Macht. Im Dialog zwischen Kim und einer Journalistin wird deutlich, wie Kardashian die «amerikanische Paranoia um kulturelle und geschlechtliche Identität» zu ihrem persönlichen und finanziellen Vorteil nutzt, ohne politisch Stellung zu beziehen. Kardashian antwortet: «Ich, als Mutter von vier Kindern, von 4 mixed raced Kindern, die ich in einem weissen L.A. der Neunziger aufgewachsen bin, sage euch: es war einsam. Damals habe ich Shapewear immer in der Badewanne mit meinen blossen Händen eingefärbt, mit Kaffeefiltern und Teebeuteln, um auf den genau richtigen Ton für meine Haut zu kommen.»

Die 29-jährige Nairi Hadodo steht eineinhalb Stunden allein auf der Bühne und hält die Spannung bis zum Schluss. Sie hat das Stück selbst geschrieben, tanzt und singt. Wie Kardashian bewegt sich Hadodo in verschiedenen Rollen. 15 Mal wechselt sie während des Stücks ihr Outfit, was auch ein Stilmittel ist, um die verschiedenen Facetten des Lebens von Kim Kardashian zu zeigen. Auf dem Laufsteg tritt sie in Haute-Couture auf, lächelt in die Kameras und winkt den Journalist*innen und ihren Fans zu. Zu Hause trägt sie einen grauen Trainingsanzug und singt ihren Kindern ein Schlaflied vor.

Irgendwann wird es dunkel im Saal. Kim verschwindet von der Bühne. Stattdessen prangt in roter Leuchtschrift +++ BREAKING NEWS +++ über der Bühne, im Hintergrund sind aufgebrachte Journalist*innen zu hören. «Kim Kardashian was robbed in her Paris hotel room», dazwischen Kardashians verzweifelte Stimme. Der glamouröse Filter, der zuvor sowohl das Bühnenbild als auch Kardashians Auftritt geprägt hatte, fällt nach dieser Szene. Statt in High Heels und schillerndem Paillettenkleid erscheint Kim in Leggings, barfuss und einem viel zu grossen weissen Hemd. 

Tatsächlich wurde Kardashian 2016 in einem Hotelzimmer in Paris überfallen. Ihr wurde Schmuck im Wert von mehreren Millionen Dollar gestohlen. Während Kardashian diesen Überfall später in Interviews als tiefen Einschnitt beschrieb, stürzten sich die Medien empört auf die Frage, wie Kardashian zu einem solchen Vermögen gekommen sei.

Diese Szene verdeutlicht wie keine andere die Verletzlichkeit hinter Kardashians vermeintlichem Selbstbewusstsein. Sie zeigt die Schattenseiten eines Lebens in der Öffentlichkeit. Kim Kardashian erscheint allein auf der Bühne und verlässt sie am Ende auch allein –  ein Symbol dafür, dass das Leben in der Öffentlichkeit zwar aufregend und glamourös sein kann, am Ende aber sehr einsam macht.

«Kim» spielt bis zum 22.3. auf der kleinen Bühne. Interessant für Menschen ab 16 Jahren, schreibt das Theater Basel.

Eine Versöhnung mit der Schlaflosigkeit

Müde. Tick, tack. Ich will schlafen. Tick, tack, tick. Meine Gedanken. Tick, tack, tick, tack. Warum kann ich nicht schlafen? Ich will schlafen. Ich MUSS schlafen. Tick, tack. Die Uhr tickt immer schneller. Tick, tack, tick, tack. Verzweiflung, ein Schrei.

Die Schlaflosigkeit ist eine heimtückische Begleiterin im Schlafzimmer. Mal sitzt sie nur da und schaut zu, wie man hellwach im Bett liegt, mal ist sie so präsent, dass man am liebsten laut schreien würde. Die Gedanken kreisen immer wieder um dieselben Fragen, man wälzt sich im Bett hin und her und versucht, nicht auf die Uhr zu schauen. 

Nachts wach liegen und nicht schlafen können, das kennen wir alle. Aber was hindert uns am Schlaf? Nun, diese Frage lässt sich kaum kollektiv beantworten. Ein Gedanke vom Tag, der uns nicht loslässt, Stress oder ein Streit können mögliche Gründe sein. Das Stück «Why don’t you sleep at night?» beschäftigt sich mit diesem unangenehmen Phänomen und zeigt, wie Schlaflosigkeit einen fast um den Verstand bringen kann. 

Eine Decke, die bei jeder Bewegung unangenehme Geräusche von sich gibt, zieht sich durch das ganze Stück –  ein Albtraum. Zwei Performerinnen wälzen sich auf der Bühne, dem überdimensionalen Bett. Mal kommt die eine kurz zur Ruhe, dann die andere, aber nie beide. Mal helfen sie sich gegenseitig, richten das Kissen und wiegen die andere in den Schlaf. Und in der nächsten Szene zieht die eine der anderen die Decke vom Körper. Schafe zählen, die Position wechseln, unter die Bettdecke kriechen –  nichts scheint zu funktionieren, es kehrt einfach keine Ruhe ein.

Aus dem Stück «Why don’t you sleep at night»

Inszeniert wurde die Performance von der Basler

Bewegungsschauspielerin Lia Schädler. Die 27-Jährige ist seit vier Jahren als freischaffende Künstlerin tätig. 2018 hat sie den Bachelor of Arts in Theater an der Accademia Teatro Dimitri abgeschlossen. Das Stück «Why don’t you sleep at night?» entwickelte sie 2022. Für die Co-Kreation konnte sie Mayra Bosshard und Marquis’ McGee gewinnen. Der 32-jährige McGee hat in Boston Musik studiert und lebt seit einigen Jahren in Genf. Er begleitet das Stück musikalisch, auf dem Saxophon und mit verschiedenen improvisierten Instrumenten wie einer halbgefüllten Wärmflasche oder Luftballons, mit denen er ein fast unerträgliches Quietschen erzeugt. Neben Schädler steht die 30-jährige Baslerin Mayra Bosshard auf der Bühne. Auch sie hat ihren Bachelor an der Accademia Teatro Dimitri gemacht. Das Stück überzeugt durch seine Einfachheit. Alles, was dem Trio zur Verfügung steht, sind ein paar einfach Instrumente, einige Luftballons und die Körper der Performer:innen. Und es funktioniert. 


Neben aller Verzweiflung und Wut begegnen sie im Stück ihrer Schlaflosigkeit auch mit Humor. So scheint der ersehnte Schlaf plötzlich ganz nah. Es wird still im Raum. Erleichterung breitet sich aus, ein zufriedenes Lächeln, die Augen schliessen sich. Zu früh gefreut. So schnell wie sie weg waren, sind sie wieder da, die Gedanken. Eine weisse Gestalt mit einem überdimensionalen Gehirn betritt die Bühne und tanzt zu lauter Musik. Die ausgelassene Stimmung kommt schnell zu einem Ende. Die Gestalt verliert ihren Kopf, die Musik stoppt abrupt, die Figur geistert ziellos über die Bühne, auf der Suche nach ihrem Gehirn. Das Publikum lacht. Viele Szenen wirken so schrecklich komisch, weil man sie als Zuschauer*in sofort mit eigenen Erfahrungen assoziiert. Ein roter Luftballon in Form eines Gehirns zum Beispiel. Die Schlaflose wälzt sich auf der Bühne und bläst das Gehirn auf, bis es immer grösser wird und fast zu platzen droht. Im nächsten Moment entweicht alle Luft mit einem unerträglichen Quietschen und bleibt schlaff auf der Bühne liegen.

Eine Auseinandersetzung mit eigenen Erfahrungen

Was dieses Stück so bemerkenswert macht, ist nicht nur die kreative Auseinandersetzung mit dem Thema Schlaflosigkeit, sondern auch die Art und Weise, wie es die Zuschauer*innen einlädt, über ihre eigenen Erfahrungen mit schlaflosen Nächten nachzudenken. Denn wir alle kennen sie, diese Nächte, in denen uns die Gedanken den Schlaf rauben  – und jede*r wird sich in der einen oder anderen Szene wiedererkennen. 

Ein Patentrezept, der Schlaflosigkeit zu entfliehen, schafft das Stück zwar nicht. Es zeigt aber, dass wir uns im Moment der Schlaflosigkeit zwar schrecklich allein fühlen, im Grunde aber alle mit den gleichen Problemen zu kämpfen haben.

Theater Roxy Birsfelden

Dominique Spirgi

Noëmi Laux

Felix Schneider

Senior Redaktorin

Helena Krauser

«Why don’t you sleep at night?» Roxy Birsfelden

Das Leben ist unaufhaltsam, Schauspiel, Theater Basel, November 2023, Foto Lucia Hunziker