Kulturtipps #1

Kino, Theater oder Konzert? Am liebsten alles auf's mal!

Kulturtipps

Langweilig? Dann zieh dir doch ein bisschen Kultur rein

 Endlich sind wir wieder wer – so wars am Public Viewing von «Die Beschatter» 

Weil uns die aktuelle Krise ausnahmsweise nicht nur abstrakt, sondern konkret beschäftigt (Energiemangel, kalter Winter), sind zurzeit politisch und kulturell mehr oder weniger verordnete Gegenmanöver im Gang, um wenigstens unsere Herzen warmzuhalten. Die Herbstmesse darf zum Beispiel auch im Klageherbst 2022 energetisch aus dem Vollen schöpfen und kommt nicht in abgespeckter Version daher. Im Regionalfernsehen war unlängst zu hören, 

Aber nicht nur das: Auf dem Marktplatz ging gestern Abend die Premiere der neuen SRF-Krimiserie 

über die Bühne und Form wie Inhalt dieses Events liessen an ein Lagerfeuer denken. Endlich leuchtet mal wieder was in Basel! Züri hat den Tatort und auch sonst eigentlich alles. Aarau hatte den «Bestatter», das Wallis «Tschugger», das Berner Oberland und das Jura haben «Wilder» und wir? Vor zehn Jahren das letzte Hunkeler-Kapitel (Hunkeler und die Augen des Ödipus), seither Stillstand. 

Folgerichtig wurde also die Wiederkehr Basels auf der cineastischen Landkarte des Landes mit einem Public Viewing begangen, weil wir sind jetzt wieder wer. 

Allein, wer sind wir denn, respektive, wie werden wir nun diesem Land vor Augen geführt? 

Und: Wer will sich das tatsächlich reinpfeifen, live, an einem Sonntagabend kurz vor 20:00 Uhr und bei bissiger Kälte?

Antwort: Erstaunlich viele. Blitzumfrage im Publikum, 20 Minuten vor Filmstart. Zwei junge Fragen sind gar nicht wegen Lokalpatriotismus da, sondern zufällig an der Leinwand vorbeigelaufen. Jetzt sind sie trotzdem neugierig, was hier abgeht, weil «wann sieht man diese Stadt schonmal im Fernsehen?» Schauen sie denn überhaupt Fernsehen, also linear, Sonntagabend? Die zwei schauen sich an. «Nein». 

Kerstin und Pascal wohnen in Basel und sind extra auf den Marktplatz gefahren, um «Die Beschatter» zu sehen. Das habe ihr schon bei der Hunkeler-Serie sehr gut gefallen, sagt Kerstin, dass sie die Drehorte erkannt habe. Pascal findet auch das Public Viewing eine schöne Idee. «So haben auch die Leute was davon». Dann sind da noch Aline und Kimi, ca. 25 Jahre alt. Sie fanden Tschugger gut und hoffen auf «sowas Ähnliches»

Fazit vor Anpfiff: Das Publikum steht der Sache wohlwollend gegenüber. Rund zwei Drittel der blauen Plastikstühle sind besetzt, die Mövenpick Brasserie gegenüber hat extra einen «Der Beschatter 2022» - Grill aufgebaut (Grüner Frosch: 6 Franken) und der Regierungspräsident Beat Jans am Mikrofon ein paar nette Sachen über die Serie gesagt. Dann geht's los. 

Hauptschauplatz der ersten beiden Folgen ist das heruntergekommene «Büro» eines Ex-Polizisten, der jetzt als Privatdetektiv Schnüffel-Nachwuchs ausbildet. Der Ort soll in der Serie am Hafen liegen (die Beschatter werden von der Polizei als «Hafenratten» bezeichnet), in der Realität liegt das Büro in einer alten Lagerhalle auf dem Lysbüchel. In der zweiten Folge spendiert Doro Iselin, eine ältere Dame mit erwartbar exaltierten Baasel-Dyytsch (gespielt von Esther Gemsch), der kargen Halle ein paar benutzt aussehende Möbel, und fortan hat also das örtliche Herz dieser Serie den Look eines Start-Up-Cafés in Berlin Prenzlauer Berg. 

Kurz auf den Pausenknopf drücken, Zwischenfazit: In dieser Serie wird also nicht die Postkartenseite, sondern das unfertige Basel herausgekehrt. Überall sind Baustellen und unverputzte Wände und eine Dönerbude. Das steht symbolisch für Abbruch oder Aufbruch, egal, Hauptsache Dynamik. Dass in den ersten beiden Folgen weitgehend auf aufdringliche Close-Ups städtebaulicher Wahrzeichen (Münster, Rathaus) verzichtet wird, hat man angesichts des 

durch die beiden Basel nicht erwarten dürfen, Stichwort Standortmarketing. 

Leidenschaftlich in Szene gesetzt sind dafür eine Basler Biermarke, der Zolli und, na klar, der FC Basel. Wobei auffällt, dass der FC Basel mit echtem Namen und echtem Logo und echter Kulisse (Drehort: Nachwuchscampus) zu sehen ist, während der Hauptsponsor des Vereins zwar als lokaler Konzern identifiziert wird, aber über irgendeinen Fantasie-Namen verfügt. Das könnte auch am Plot liegen: Der Sponsor in der Serie will einen Top-Spieler für Werbezwecke in Szene setzen – aber der Spieler hat die falschen Freund*innen und ein Drogenproblem, wie die Detektiv-Schule aufdeckt. Vom Marketing-Gedanken her fand das der echte FCB-Sponsor vielleicht doch nicht so gut. 

Nun ja, wir drücken den Play-Knopf, weiter gehts. Kamerafahrten über Industriegelände, ein bisschen Autorennen, Clubs, Elefantengehege, Rotlichtmilieu. Die Grundspannung liefern die verlässlichen Koordinaten oben und unten, wobei alle Figuren irgendwie sympathisch sind (sogar die Bonzen), aber nur die Mittellosen kriegen in Folge 1 und 2 so etwas wie ein Innenleben und damit ein Ziel im Leben. Moral der Geschicht: Ans Ziel kommt, wer hart genug dafür arbeitet. Und: Man darf ab und zu schummeln, wenn man hinterher dafür grade steht. 

Die Handlung bedient also klassische Topoi (Aussenseiter*innen kämpfen um den Anschluss an die Gesellschaft). Leider wirkt die Figurenzeichnung ein bisschen so, als hätten sich die Hausautor:innen eines beliebten Laientheaters eine Vorfasnachtsvertanstaltung zusammengekumpelt. 

Da ist der Oberdetektiv Leo Brand (Roeland Wiesnekker), streng, gutes Herz, Finanzprobleme, Alkoholprobleme, Familienprobleme. Seine Meisterschüler*innen sind die genannte Dame aus dem Daig, ein Heiratsschwindler (Martin Rapold) mit schönen Haaren, ein arroganter Dichter und Klugscheisser (Martin Butzke, spricht Hochdeutsch), eine junge Troublemakerin (Meryl Marty, arm aber dickköpfig, muss ihre möglicherweise tote Mutter finden) und ein Fussballfan (Dardan Sadik, mehrgewichtig, hohes Identifikationspotenzial wegen FCB, fährt Mofa weil das sieht im Kontrast mit der Körpermasse putzig aus). 

Das Personal dieser Serie ist teilweise schon aus früheren Schauspiel-Einsätzen bekannt, vom Publikum geschätzt und von Fachleuten für gut befunden worden. Allein, in «Die Beschatter» ist leider wenig Raum für Raffinesse. Text, Mimik und Gestik sind in vielen Szenen wie mit dem Zweihänder aus dem Steinbruch der Schauspielerei gehauen. Gestaunt wird mit ganz grossen Augen, wer sich ärgert, schlägt oft irgendwo drauf. Bis zum ersten Züri-Witz dauert es zehn Minuten, er geht ungefähr so: 

Treffen sich zwei Haie im Meer. Sagt der eine, «ich habe einen Russen gefressen. Der hatte so viel Alkohol intus, ich bin noch ganz blau». Da sagt der andere Hai. «Das ist noch gar nichts. Ich habe einen Zürcher gefressen, der war so aufgeblasen, seither kann ich nicht schwimmen.»

Das Schöne an öffentlichen Zusammenkünften wie diesem Public Viewing ist ja nun aber ihr Charakter als Sofortprüfung für Kunst im Auge des*der Betrachter*in. Und gemessen an den Reaktionen auf dem Marktplatz war das alles nicht so schlimm, im Gegenteil. Es wurde viel gelacht im Publikum, ja, die Heiterkeit war mit den Händen zu greifen. Oder steckte doch diese Ur-Basler Eigenschaft dahinter, zu Gästen einfach sehr nett und heeflig, zu sein? Steckte im lauten Lachen über wirklich erstaunlich dusselige Slapsticks eine Art kollektiver Performance-Druck im Publikum und die Angst, unter den Augen des Film-Teams das weiter vorne in der ersten Reihe Platz genommen hatte, griesgrämig oder gar undankbar zu wirken? 

Nun, wir wollen vom Besten ausgehen: Die Serie kam einfach gut an. Auch bei Kenny, Maren und Dan, die nach der Vorführung auf dem Marktplatz standen und allesamt fanden, es habe eh Spass gemacht und schliesslich sei das ja erst der Anfang gewesen, da komme ja noch mehr. Auch der Regierungspräsident Beat Jans fühlte sich gut unterhalten, sagte er nach den ersten beiden Folgen, vor allem der Fussballfan Milan Gjoka habe ihm gut gefallen. Dass sich die Stadt Basel in «Die Beschatter» eher von einer düsteren Seite zeigt, findet Jans gut so. «Schliesslich ist es eine Krimi-Serie». 

Jetzt sei er gespannt, wie es weitergehe, sagt Jans. Insgesamt sind sechs Folgen abgedreht, die bei SRF 

jeweils Dienstags ausgestrahlt werden.

 Da kann wirklich noch alles passieren.  

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Dieser Artikel ist zuerst bei der P.S. Zeitung erschienen. Die P.S. gehört wie Bajour zu den verlagsunabhängigen Zeitungen der Schweiz. 

Seit Generationen bewirtschaftet die Filmfamilie Solé in «Alcarràs» von Carla Simón das Land um ihren Hof herum mit Obstplantagen. Die Bauernproteste wegen Preissenkungen bis unter die Gestehungskosten schauen sie sich im Fernsehen an. 

Durchbeissen lautete die Devise seit jeher, und die Arbeit ist viel und sie ist streng. Nur klagen und fordern käme hier niemandem als erstes in den Sinn. Irgendwie gings ja immer. 

Bis zum Tag, als der zigte Nachkomme des Grossgrundbesitzers Pinyol (Jacob Diarte) auf der Matte steht und verkündet, er benötige sein Land wieder, um in das viel einträglichere Geschäft mit Solarstrom einzusteigen. Vorbei die Zeiten, in denen ein Handschlag so gut wie ein Vertrag war. Vorbei die Zeiten, in denen ein Wort eines selbsternannten Ehrenmannes noch jeder Witterung gegenüber Stand hielt.

P.S. – Die kleine Zeitung mit den spitzen Federn.

Carla Simón zeichnet das Portrait einer Familie, deren individuelles Verhalten sich angesichts der absehbaren Katastrophe ihres Landverlustes sehr verschieden und je für sich auch nachvollziehbar verändert. Der Grossvater Rogelio (Josep Abad) wählt die innere Emigration. Er pflückt Feigen vom alten Baum und schenkt diese den Pinyols. Der Enkel Roger (Albert Bosch) flieht in den Rausch, das Delirium. Der Obstbauer Quimet (Jordi Pujol Dolcet) rennt mit dem Kopf gegen die Wand. Er will nicht, will partout nicht, nein, er will nicht einsehen, dass er vor einer unverrückbaren Tatsache, einer ungemeinen Ungerechtigkeit steht und überhaupt gar keine Handhabe hat, dagegen vorzugehen. 

In diesem Schraubstockgefühl gefangen, beginnt er gegen seine Geschwister, seinen Sohn, sogar seinen Vater mit teils unterdrückter, teils aus ihm herausplatzender Aggression zu agieren. Er macht sich unmöglich, verrennt sich, gebärdet sich als Tyrann. 

Zwischen diese Szenen einer Wutverschiebung flicht die Regisseurin und Drehbuchautorin die Geschichte von drei sorglos ungestüm spielenden Kindern und lang anhaltende Beratschlagungen und Versuche von Bändigung und Beschwichtigung der Frauen.

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Mitten drin respektive zwischen allen Stühlen steht die Teenagerin Mariona (Xènia Roset), die sich auf eine erste Liebe und ihren Auftritt während der Playbackshow freuen möchte, aber von dieser verschwommenen Gemengelage aus dem Tritt gebracht wird und darum das Gefühl entwickelt, es läge an ihr, eindeutig Stellung zu beziehen. 

Faktisch zeigt «Alcarràs» ein Landlosenschicksal. Ungeheuer bitter und genauso willensstark.

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Kultur dir doch einen 🥂

2021 lief kulturell einiges mehr als im vergangenen Jahr – zum Glück. Sind es doch Bücher, Lieder und tolle Konzerte, die uns den grauen Alltag vergessen lassen. Wir Redaktor*innen haben für dich aufgeschrieben, was uns dieses Jahr kulturell am meisten begeistert hat.

 Weiter leben von Ruth Klüger. Sie erzählt von ihrer Kindheit im Konzentrationslager. Und reflektiert, weshalb viele ihrer Mitmenschen ihr Jahre später diese Vergangenheit absprechen. 

Hab nur Schrott geguckt. Aber ich könnt noch was zu lesen empfehlen: How to do nothing von Jenny Odell. Ein Essay über die Aufmerksamkeitsökonomie. Fazit: Es ist nicht revolutionär, manchmal einfach nur den Vögeln zuzuschauen. Aber es ist ein Anfang.

Netflix nervt. So richtig toll find ich seit Borgen nichts mehr. Gut unterhalten haben mich Bloodline (eine Familie konfrontiert sich mit ihren verdrängten Dramas), Eastsiders (über die Irren und Wirren eines Paars) und Atypical (ein Jugendlicher mit Autismus, seine Schwester und Eltern erobern den Alltag). Oder eine Bücherserie: Die 6 biographischen Bände «Alle Toten fliegen hoch» von 

. Er wächst als Psychiatersohn auf dem Gelände einer Psychiatrie auf, verliert seinen Bruder, wird später Schauspieler und verzweifelt schier an seinem Unvermögen. Abgedreht realistisch.

Mein Lieblingslied des Jahres war State of the Art von Jim James. 

 Politbüro von Tamedia. Ich wünschte mir mehr Podcasts über die Schweizer Politik von unabhängigen Journalist*innen.

Access for all. São Paolos soziale Infrastrukturen im Architekturmuseum. Lässt träumen, was in Basel alles möglich wäre: Schwimmen auf dem Claraturm, Liegestühle auf der Güterstrasse...

La Nefera und Béatrice Graf an der Reconnect-Reihe auf Castelen bei Augusta Raurica.

 «Heimsuchungen» von Niklaus Meienberg. 1989 erschienen, macht heute noch Spass. Es geht um die Schweiz und die Schmerzen. Und: «Schäfchen im Trockenen» von Anke Stelling. Stelling war überhaupt meine liebste Literatur-Entdeckung in diesem Jahr, habe nur Gutes von ihr gelesen.

 Borgen. Tolle Schauspieler*innen, spannende Story. Immer wenn ich denke, ich sollte vielleicht doch Polit-Journalist werden, dann schaue ich diese Serie. Allerdings gibts dort immer so schön übersichtliche Skandale, die dankbarerweise an die Medien durchgestochen werden und bei uns gehts halt meistens um Parkplätze. Eigentlich immer. 

: Die Sticker-Ausstellung im öffentlichen Raum. 

Das Polyfon Festival in der Kaserne hab ich sehr gefeiert. Die ersten Konzerte mit der Impfung im Arm, kurzes Zeitfenster gefühlter Freiheit und die Rapperin Alyona Alyona hat eine tolle Show abgeliefert. 

«Die Freiheit einer Frau» des französischen Schriftstellers Edouard Louis. Schonungslose aber berührende Abhandlung einer Mutter-Sohn-Beziehung. Und: Sigrid Nunez mit «Sempre Susan».  

Hive. Ein Film der kosovarischen Regisseurin Blerta Basholli. Nach dem Kosovo-Krieg standen tausende Familien vor dem Nichts. Hive erzählt die Geschichte einer Mutter und Witwe, die die gesellschaftliche Scham abwirft, um für ihre Kinder zu sorgen. 

 Die Netflix-Serie Maid. Schon wieder Familienstoff: Alex ist eine junge Mutter, die eines Nachts beschliesst, vor ihrem gewalttätigen Freund und Vater ihrer Tochter abzuhauen. Mit schlecht bezahlten Jobs als Putzkraft versucht sie, sich und ihre Tochter über Wasser zu halten. Margaret Qualley, die Alex spielt und ihre Mutter Andy MacDowell, die auch in der Serie ihre Mutter gibt, sind ein grandioses Duo.

Mac Miller, Swimming. Ist zwar bereits 2018 erschienen, aber noch immer eines meiner Lieblingsalben, das mich auch dieses Jahr wieder begleitet hat. Das Album der Post-Punk-Band Sweeping Promises «Hunger for a way out». SO GEIL. Punk’s not dead! 

 Mega mainstream von mir: Aber ich würde sagen, die Olafur Eliasson Ausstellung in der Fondation Beyeler. 

 So abgetanzt, wie zu IAMDDB am Basler Polyfonfestival im August, habe ich glaubs an keinem anderen Konzert.  

«Unsere Welt neu denken» von Maja Göpel, weil viele Passagen dieses Buches treffende Bemerkungen zur derzeitigen Lage sind. 

Viele Filme habe ich nicht gesehen, geschweige denn viel Zeit im Kino verbracht. Was ich aber wärmstens empfehlen kann, ist der Arte Thementag jeweils dienstags. An diesem Abend strahlt der Kultursender drei bis vier Dokumentarfilme aus, die allesamt immer sehr spannend sind. Lerneffekt garantiert! 

Wie mein Netflix-Verlauf mir anzeigt, bewegte ich mich bei den Serien zwischen absolutem Schwachsinn und belangloser Unterhaltung – Corona-Ablenkung halt. Witzig fand ich die französische Serie «Family Business». Der Humor war immerhin nicht so flach und die Rollen, besonders die der jiddischen Mamme, gut besetzt.   

 «Ich liebe Dich» von Dino Brandao, Faber und Sophie Hunger. Es kam zwar ziemlich genau vor einem Jahr raus, aber ich habe es vermutlich erst in diesem Jahr entdeckt. Zählt also, ätsch bätsch. 

 «Alles gesagt?» der unendlich lange Podcast von die Zeit. Was für eine geniales Format. Endlich ein Podcast, der nicht auf eine Stunde limitiert ist, und es danach heisst: «Wir könnten noch ewigs weiter diskutieren.» Dann macht es doch einfach! 

 Bei Ausstellungen ist es bei mir meistens so: Ich möchte hingehen und dann verpasse ich sie. Deshalb sage ich voraus, welche Ausstellung vermutlich die Beste sein wird, weil ich es mir ganz fest vorgenommen habe, hinzugehen und schon sehr viel Gutes darüber gehört habe: «Geschlecht» im Stapferhaus. Ich freue mich!  

Zählt auch DJ-Set? Ich bin eigentlich Team Konzert, aber das war ein phänomenaler Abend. Folamour hat aufgelegt im Elysia und abgerissen mit Disco Tunes. 

«Untenrum frei» von Margarete Stokowski. Ich mag das Buch, weil es einfach herrlich ehrlich ist. Anhand ihrer eigenen Geschichte, angefangen bei der Pubertät, geht Margarete Stokowski darauf ein, wie sie damals gedacht hat, welche sexistische Vorurteile sie verinnerlicht hat und wie sie heute darüber denkt. Dabei nimmt sie kein Blatt vor den Mund und spricht frei heraus, mit welchen Klischees und Rollnbildern wir heute noch rechnen müssen.

 «The Grand Budapest Hotel». Bei dem Film finde ich, neben dem dass er zum Schreien komisch ist, so spannend, wie die Grenze zwischen Realität und Fantasie verschwimmt. Alles könnte so passiert sein, aber irgendwie auch nicht. Zeitlich zwar irgendwo in der Zwischnkriegszeit, aber den Ort gibt es so nicht. Ausserdem ist die Kameraführung einfach genial.

 «Outlander». Zugegeben, Outlander ist zwischendurch ganz schön brutal. Aber irgendwie hatte es während dem Lockdown was, einfach nach Schottland zu reisen, dort einen Stein zu berühren, 200 Jahre in die Vergangenheit katapultiert zu werden und da auf nen Prince Charming zu treffen. Damals, vor 200 Jahren, war zwar ganz viel anderes schlecht, aber Corona gab’s immerhin nicht. 

«Happier than ever» - Billie Eilish. Ich bin schon länger grosser Fan von Billie Eilish, und mit dem Album hat sie nochmals bewiesen, wie toll sie aktuelle Gefühle rund um Corona, Dauerbrenner wie Liebeskummer, aber auch Frust oder Einsamkeit in Songs packen kann, die einem das Gefühl geben, dass man nicht allein ist mit seinen Sorgen, und das es immer vorwärts geht.

«Machiavelli - Rap und Politik». Mir gefällt der Podcast, weil es nicht wie jeder andere Podcast einfach trocken Politik analysiert, sondern ihn anhand von aktuellen Rapsongs kontextualisiert. Rapper*innen aus Weissrussland, die politischen Rap machen zum Beispiel. Ich finde, das ist ein bisher weit unterschätzte Art von politischer Partizipation, die in gewissen Regionen viel Mut braucht.

 Bin nicht so die Museumsgängerin (leider, würde gerne mehr gehen, schaff’s aber irgendwie nicht) deshalb muss ich ehrlich zugeben, war die Laternenausstellung an der «Fasnacht» das Beste. Vielleicht ist das aber auch einfach mein Fasnachtsherz, das ganz dezent angeschlagen ist. Aber wenns dunkel ist draussen und die grossen Leinwände farbig erstrahlen, hat das eine ganz speziell Romantik an sich.

 «Anna Naïma» am Jugendkulturfestival. Ich kenne die Künstlerin schon seit längerem und bin Fan, seitdem sie ihren ersten Song auf Spotify veröffentlicht hat. Die in Basel wohnhafte Interpretin macht eher ruhige, besinnliche Songs, und der Auftritt von ihr am JKF war dementsprechend superschön, überraschenderweise zwischendurch aber auch poppig-mitreissend. Ich glaube, gerade diese Mischung macht’s aus.

 Christian Kracht, Eurotrash. War wie Kurzferien im Kopf. Und ehrlich gesagt das einzige Buch, das ich 2021 fertiggelesen habe (ich habe jedoch sehr viel vorgelesen, die Bände 1-7 von «Die Schule der magischen Tiere» zum Beispiel) 

Polizeiruf 110-Folge

 in Erinnerung, ich habe extra nochmals nachgeschaut, sie hiess «bis Mitternacht» und ist noch in der ARD-Mediathek verfügbar. Es ist ein Verhör mit einem Serienmörder, das wahnsinnig unter die Haut geht. 

Ich habe bei Tschugger sehr viel gelacht, besonders mit und über Praktikant Smeterling. 

 Ich habe gar nicht gewusst, dass Jan Delay noch Musik macht und dann gestaunt, wie gut «Earth, Wind & Feiern» klingt. 

 Ich höre weiterhin sehr gerne das Coronavirus Update von NDR mit Christian Drosten und Sandra Ciesek. Ein Fels in der Pandemie-Brandung. 

2021 war für mich das Jahr der angefangenen, aber (noch) nicht zu Ende gelesenen Bücher. Da es aber nicht an der Qualität der Lektüre lag, sondern ausschliesslich an mir, teile ich die durchaus zu empfehlenden Lesestoffe: «Die Scham» (Annie Ernaux), «Ein wenig Leben» (Hanya Yanagihara), «Sontag. Die Biografie» (Benjamin Moser).

«Isle of Dogs» von Regisseur Wes Anderson. Habe ich erst entdeckt, als der Film dieses Jahr auf Netflix lief. Ich kann gar nicht sagen, was mir am besten gefiel. Die Charaktere. Der Humor. Die Wahnsinns-Technik dahinter. Oh, und gerade im Kino gesehen: «West Side Story» von Steven Spielberg. Macht glücklich. 

 Ich habe über fast das ganze Jahr verteilt immer mal wieder Folgen von «The Office» (US) geschaut, bis ich alle Staffeln durch hatte. Allen Thriller-Fans empfehle ich «Der Kastanienmann», eine dänische (Netflix-)Serie über einen Serienmörder, der am Tatort jeweils ein Kastanienmännchen hinterlässt. Super spannend, ich musste alle Folgen an einem Tag gucken.

 Ich gebe ohne Scham zu, dass ich das Album «evermore» von Taylor Swift recht häufig gehört habe. Es ist zu meiner Corona-Winter-Lockdown-Musik geworden. Und das Album ist nicht so poppig, sondern hat eher Indie-Klänge, was ich mag.

 «Conan O’Brien needs a friend» höre ich schon seit mehreren Jahren. Es ist ein Podcast (auf Englisch), der gute Laune macht. Im Podcast interviewt Conan O’Brien andere Menschen aus dem Show-Business. Eine der besten Folgen: Das Gespräch mit Comedian John Cleese über das kreative Schreiben und wie es Tortur und Glück in einem ist.

Mein erstes Mal auf der Art Basel war auf jeden Fall ein Highlight, auch wenn mich das ganze Brimborium etwas überfordert hat und sich einige Klischees bestätigt haben.

Faber in der Kaserne. Endlich mal wieder getanzt, gehüpft, mitgesungen, in die glücklich verschwitzten Gesichter anderer Menschen geschaut. Einfach schön (auch wenn ich danach zum Corona-Test musste …).

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Fehlanzeige

Plötzlich war das Kinoprogramm weg

WECHSELSPIEL - 
wenn Peter Stamm schreibt 

Dieser Artikel ist zuerst auf Filmexplorer erschienen. Das Magazin gehört wie Bajour zu den verlagsunabhängigen Medien der Schweiz. 

Wechselspiel – Wenn Peter Stamm schreibt

 von Arne Kohlweyer und Georg Isenmann ist ein überraschender Film, mit Tiefgründigkeit, Humor und zu Recht mit dem Wort «Schöngeist» zu umschreiben. Ein Film, der glücklich macht, könnte man auch sagen. Mit bewusst reduziert eingesetzten Mitteln – vor allem bei den Interviewsituationen, die dem Film Sprache verleihen, ohne ihn zuzutexten – wurde so formal eine Vielschichtigkeit geschaffen, die auf allen Ebenen funktioniert und dem Inhalt des Films zuarbeitet. Es ist spürbar, wie in jedem Moment der Filmentstehung die Entscheide in Bezug auf das, was passiert, getroffen werden müssen, auch hinsichtlich eines offenen Endes vor einem Drehstart. Dabei wurde mit der Bildebene und vor allem mit dem Ton und in der Montage sehr sorgsam umgegangen. Und natürlich sind Aenne Schwarz und Max Simonischek zusammen mit Peter Stamm das Sahnehäubchen – ein Glücksfall.

Noch einmal eine «Vertextung» – und am Anfang war der Film

Die Menschheit hat Tausende von Jahren Textkultur und etwas mehr als ein Jahrhundert Filmkultur. Es ist daher gegeben, dass oft von der Verfilmung von Texten und seltener von der «Vertextung» von Filmen die Rede ist. Durch die Inszenierung eines 

 Gleichgewichts zwischen Verfilmung und Vertextung hebt 

 schliesslich vor allem Letztere hervor. Ja, in diesem Film, in dem das Dispositiv in einer schwindelerregenden Mise en abyme widerspiegelt ist, in dem die Verfilmung eines Textautors – Peter Stamm – Anlass zu einer Vertextung des Making-of eines unvollendeten Films gibt – und diese Vertextung wiederum Anlass zu einer Verfilmung eines Romans über den Versuch, einen Textautor zu filmen, gibt, und diese Verfilmung wiederum das Drehbuch (wieder eine Vertextung) für einen Film über die gescheiterte Verfilmung des Romans (

) schafft – kurz, in so einem Film stellt die Vertextung eine Art filmischen Motor dar und gleichzeitig ein Gegengewicht zu jeder Priorität der Verfilmung, was deswegen auch ein Gegengewicht zu jeder Priorität des Texts wird, der der Verfilmung vorausgehen würde.

Der Film der Regisseure Arne Kohlweyer und Georg Isenmann ist weniger eine Hommage an Peter Stamm als Autor und Person – auch wenn er in diesem Film mit seiner Bühnenpräsenz, mit seiner schönen Stimme und seinem hintergründigen Humor zu glänzen weiss – als vielmehr eine Hommage an seine Fähigkeit, die Rolle des Vertexters zu spielen, als eine Art König Midas des Textes, der die Vertextung als treibende Kraft jeder Idee oder jedes Versuchs, einen Film zu machen, wiederbelebt. Es handelt sich also um eine Hommage an die Priorität der Vertextung (und an die Geschwindigkeit des Schreibens gegenüber dem Filmemachen) und damit um eine 

 Hommage an den Film oder, besser gesagt, an die Möglichkeit, von einem Film aus zu denken oder zu denken zu beginnen – genauso, wie ich es hier und jetzt durch die Übung einer Filmkritik tue. Nach etwas mehr als einem Jahrhundert sind die Zeiten reif, um über den Text nicht als sekundär zum Leben, zur Erinnerung oder zu einem Bild, sondern als sekundär zu dieser Mischung aus Leben, Traum und Erinnerung, die der Film ist, nachzudenken. Wenn Peter Stamm schreibt in 

, schreibt er vielleicht nur über das Kino, als guter Filmkritiker. Wenn Peter Stamm schreibt, erinnert er uns daran, dass es an der Zeit ist, zu akzeptieren, was am Anfang war ... der Film!

Oder sein Scheitern – wegen der Geschwindigkeit des Schreibens.

über den Film

 (13. April 2023) - co-organised by Filmexplorer

Filmexplorer konzentriert sich mit Leidenschaft auf Filme als Quelle für Erfahrungen. Nimm dir die Zeit, Filme zu genießen. Hier kannst du dich für den Newsletter anmelden. 

Kino

Wechselspiel - Wenn Peter Stamm schreibt

Poesie und ihre Politik

Filmexplorer

 ein vom Magazin kuratiertes Kurzfilmprogramm kostenlos während einer Woche auf White Frame abrufen. Giuseppe Di Salvatore, einer der Verleger, hat in einem Statement zusammengefasst, wie die Auswahl zustande gekommen ist.

Das ist ein Artikel von Filmexplorer. Filmexplorer konzentriert sich mit Leidenschaft auf Filme als Quelle für Erfahrungen. Nimm dir die Zeit, Filme zu genießen. Hier kannst du dich für den Newsletter anmelden. 

«Als Chantal Molleur Ruth Baettig und mich (Giuseppe Di Salvatore), die Gründer von Filmexplorer, bat, ein Kurzfilmprogramm zu kuratieren, das die Identität unserer Plattform repräsentieren könnte, konkurrierten in unseren Köpfen eine Menge wunderbarer Titel darum, in den Olymp von Filmexplorer zu gelangen, was uns nicht unbedingt dabei half, die möglicherweise blockierende Freiheit der leeren Seite zu überwinden. Welche Kriterien sollten wir bei unserer Auswahl anwenden? Wie können wir der langjährigen Komplizenschaft mit White Frame gerecht werden? Die Leitkriterien für eine endgültige Auswahl müssen die Hauptgrundsätze von Filmexplorer zum Ausdruck bringen: Neugier auf die Entdeckung der Vielfalt der Filmstile, Fokus auf die Spezifik des Mediums Film, Erkundung der Filmformen, künstlerisches Engagement im Film und eine generelle Haltung, originelle Inhalte vorzuschlagen - sei es in den Filmen selbst oder in ihrer kritischen Diskussion. Wir haben also die Lösung gefunden, und zwar in einem "poetischen Film", der all diese Kriterien genau zu erfüllen scheint.

Was ist ein poetischer Film? Ohne zu versuchen zu erklären, was Poesie ist, würde ich sagen, dass ein poetischer Film eine unerwartete Reise in ein Gebiet ist, dessen wir uns vorher nicht bewusst waren. Deshalb sind poetische Filme unsere Leidenschaft und Motivation. Ja, wir erkennen einen poetischen Film, wenn er in der Lage ist, uns zu inspirieren, und wir erkennen einen poetischen Film, wenn er selbst inspiriert ist, durch eine echte oder eine rätselhafte Erfahrung, und auch durch seine eigenen Werkzeuge, sei es der Filmstreifen, der Schnitt, die Geräuschkulisse oder der Drehort.

Wir werden die ausgewählten Filme hier nicht beschreiben, weil ihre poetische Qualität selbsterklärend ist. Es ist schwierig und manchmal überflüssig, poetische Vorschläge in Worte zu fassen, und genau diese Herausforderung zwingt die Kritik, unbedingt kreativ zu sein. 

Übrigens, auf Filmexplorer findest du bereits mehrere Kritiken und einige Interviews mit fast allen ausgewählten Künstlern: Brent Green über «A Brief Spark Bookended by Darkness» (Interview), Beatrice Gibson über «Crippled Symmetries» (Interview), «I Hope I'm Loud When I'm Dead», «Deux soeurs qui ne sont pas soeurs», und über die Kunst des Schneidens (Interview), Audrius Stonys (Interview) und Mike Hoolboom (Interview) über ihre kreative Tätigkeit, Jorge Cadena über «El cuento de Antonia», «Soeurs Jarariju» (Q&A) und «Flores del otro patio». 

«Total Refusal's Hardly Working», ein Film, der innerhalb eines Videospiels entwickelt wurde, zeugt ebenfalls vom Interesse von Filmexplorer an den unterschiedlichsten Formaten, wie der Animation (Brent Green's Film) oder DoodleChaos' spielerischer Beitrag mit Bostjan Cadez' Flash-Spiel Line Rider - eine Möglichkeit für uns, den pluralen Status des Films heute zu hinterfragen. Apropos Pluralität: Wir hoffen, dass das Angebot dieser sieben sehr intensiven Filme nicht nur die Gelegenheit bietet, Poesie zu teilen, sondern auch neue Verbindungen zu sehen und sich eine Gemeinschaft von visionären Menschen vorzustellen.»

Die Konzentration des Filmexplorers auf die Poesie soll auch ein kulturelles Statement sein, das unsere Vision von der politischen Aufgabe der Kunst und Kultur heute zum Ausdruck bringt.

Ist Poesie eine Form des Eskapismus oder, schlimmer noch, das politisch unbedarfte Vergnügen privilegierter Klassen? Wir antworten nicht nur mit einem klaren "Nein!", sondern wir werden auch darauf hinweisen, dass diese immer wiederkehrende Frage für uns das Symptom einer Verwirrung zu sein scheint, die häufig von den Künstlern und Intellektuellen selbst erlebt wird. Sie interpretieren den politischen Aktivismus oft ausschließlich als globale Forderungen, als Aufschrei gegen Ungerechtigkeiten und als romantische Slogans, die auf den Straßen der schwächelnden westlichen Demokratien gesungen werden. Natürlich gibt es vom politischen Autoritarismus bis zur Überwachungs-Biopolitik, vom Klimakollaps bis zum heteronormativen Moralismus viele globale Themen, die uns zum Kampf motivieren, aber die Aufmerksamkeit für das, wogegen wir kämpfen, kann uns vergessen lassen, das, wofür wir eigentlich kämpfen, aufrichtig und ernst zu nehmen, in einer detaillierten und nicht vagen Form.

Der kommerzielle Massenjournalismus ist nicht nur eine Plage, die die Flammen der menschlichen Angst schürt, sondern zwingt uns auch auf die abstrakte Ebene des allgemeinen Humanismus und programmiert darüber hinaus unseren Verstand darauf, innerhalb des oft unkritischen Problemlösungsmusters zu arbeiten. Im Gegenteil, die Poesie erinnert uns an die Bedeutung des Unbekannten, der Erkundung, der Aufmerksamkeit, der kritischen Interpretation und bringt uns auf diese Weise dazu, unseren Verstand - und unsere Sensibilität - zu trainieren, um mit kreativen Mustern zu arbeiten, jenseits des neuen zügellosen Moralismus der politisch Korrekten. Nur wenn wir in der Lage sind, diesen Verstand und diese Sensibilität umzuwandeln, können wir auf sinnvolle, konkrete und wirksame Weise politisch aktiv sein. Poesie ist das höchste politische Engagement für Künstler und Intellektuelle, das Kritik und Responsivität über die besserwisserischen Rezepte des kommerziellen Massenjournalismus siegen lässt.

Wir danken allen Künstlerinnen und Künstlern für ihre inspirierenden Arbeiten und die sofortige positive Antwort auf die Teilnahme und wünschen Ihnen eine wunderbare Reise auf White Frame durch filmische Meisterwerke, die uns erforschen, hören, verzweifeln, lernen, halluzinieren, hinterfragen, vorstellen lassen.

A Brief Spark Bookended by Darkness | by Brent Green, USA 2018 | 5'

m Film

I Hope I'm Loud When I'm Dead | by Beatrice Gibson, UK 2018 | 20'

Zum Film

Alone | by Audrius Stonys, LTU 2001 | 16'

Citizen Poet | by Mike Hoolboom, CAN 2017 | 10'

El cuento de Antonia | by Jorge Cadena, CH-COL 2016 | 30'

Hardly Working | by Total Refusal, AT 2022 | 20'

Line Riders - Beethoven's 5th | DoodleChaos, 2018 

Film

Antigone im Theater Basel

«Wo's Mami gmerkt het, dass ihr Schicksal sie betrüegt mit ihrem Sohn»

Sieben Filmtipps für einen Regentag

Für Fantasy-Freund*innen: alle Harry Potter-Filme

Die Harry Potter-Reihe gehört zu den Klassikern der Schlechtwetter-Filme. Dumbledore und Hagrid lotsen Harry nach Hogwarts – und uns zurück in ein Stück Kindheit. Vorteil: gleich acht Filme bedeutet, dass es nicht bei einem einzigen Filmnachmittag bleiben muss. 

: Online ein Hogwarts Haus-Quiz ausfüllen, nur um herauszufinden, dass du leider nicht in Gryffindor bist.

Es war Hollywoods goldenes Zeitalter, als alle jungen Schauspielerinnen uralte Screenpartner bekamen. Aber Sabrina lohnt sich als Romanze trotzdem. Für ihre Rolle bekam Audrey Hepburn eine Oscarnominierung und der Film einen Golden Globe. Die stereotypen Geschlechterrollen muss man kurz aushalten (und den transatlantischen Akzent auch), aber eine schwarz-weisse Komödie aus den 50er-Jahren ist an einem Regentag immer sehenswert. 

: In Weltschmerz über vergangene Zeiten versinken. Hach.

Für Weltoffene: Monsieur Claude und seine Töchter

Monsieur Claude und seine Töchter ist eine französische Komödie, in der verschiedene Kulturen aufeinanderprallen, beziehungsweise die Kultur von Monsieur Claude auf jede andere. In der Hoffnung, die jüngste seiner vier Töchter an den (katholischen, weissen) Mann zu bringen, landet die für Monsieur Claude unfreiwillig multikulturelle Familie in unverhofften Diskussionen. Auch in deutscher Übersetzung sehenswert.

: Auf Duolingo ein paar französische Wörter lernen und gleich wieder vergessen. 

Für Philosoph*innen: The Cider House Rules 

Es gibt verschiedene Arten von Coming of Age-Filmen – The Cider House Rules ist vielleicht kein typischer. Die Geschichte spielt in einem Waisenhaus in Neuengland während des Zweiten Weltkriegs und erzählt von einem Jungen, der dort aufwächst. Mit zwei Oscars ist der Film absolut sehenswert. Aber behalte Taschentücher in der Nähe. 

: Kurz zu amerikanischer Geschichte recherchieren, verzweifeln, Recherche wieder aufgeben. 

Für Literaturliebhaber*innen: Club der toten Dichter

In einem Jungeninternat in Vermont gründet eine Gruppe Schüler einen Club zur Würdigung toter Dichter. Inspiriert werden sie von ihrem Englischlehrer, der ihnen Gedichte und das selbstständige Denken näherbringen möchte. Wenn du etwas philosophieren möchtest, aber keine Lust hast zu lesen, gibt’s diesen Film als Alternative.

: Sich selbst an Prosa versuchen. Vielleicht schlummert in dir ein nächster Shakespeare. Oder ein Pinterest-Post.

Freddie Mercury und Queen kennen wir alle, den Film vielleicht noch nicht. Das Biopic über die Band und ihren Hauptdarsteller gewann vier Oscars (aber zwei Stunden Queen-Musik würden sich auch so lohnen). Wenn du noch kein Fan der Band bist, macht dich dieser Film vielleicht zu einem. 

: Den nächsten eigenen Karaoke-Abend planen.

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Ein Basler Kulturverlust

Am 3. November feiert die Cinémathèque Suisse in Lausanne ihr 75-jähriges Jubiläum. Warum ist das auch ein Basler Thema? Diese nationale Institution hat ihren Ursprung 1943 in Basel. Es waren die im Basler Film-Club «Le Bon Film» organisierten Cinéasten, die ein Filmarchiv mit beinahe 400 Streifen aus aller Welt aufbauten und anderen schweizerischen Filmclubs zur Verfügung stellte. 1948 gingen Bestand und Funktion an den Ciné-Club Lausanne über. Was für Lausanne ein Gewinn war und ist, war und ist für Basel eine Verlustgeschichte.

Zwei Fragen interessieren aus Basler Sicht besonders: Warum überhaupt entwickelte sich hier seit 1943 diese Pionierinstitution? Und warum konnte sie nicht hier gehalten werden? Zunächst muss man sich vergegenwärtigen, warum in Basel und andernorts in den 1920/30er-Jahren Filmclubs entstanden: Es ging darum, sich gemeinschaftlich mit diesem noch jungen Medium auseinanderzusetzen und mit anspruchsvoller Nachfrage das durchschnittlich tiefe Niveau der Filmproduktion anzuheben. 

In Basel kam es 1931 unter Beteiligung der Studentenschaft zur Clubgründung. Geistiger Vater war der damals 35-jährige Georg Schmidt, der wenige Jahre später als Direktor des Kunstmuseums eine breit anerkannte Autorität wurde.


Warum Basel damals eine Pionierstadt der Cinéphilen war, erklärt sich aus dem einfachen Umstand, dass es hier ein paar Personen gab, die sich für den guten Film einsetzten. Eine führende Rolle spielte der Student Peter Bächlin, der 1938 als 21-jähriger Präsident von «Le Bon Film» wurde und 1945 eine viel beachtete Doktorarbeit mit dem Titel «Der Film als Ware» veröffentlichte.

Seit 1939 verfolgte die Gruppe Pläne zur Gründung eines schweizerischen Filmarchivs und suchte dazu die Unterstützung des Erziehungsdepartements. 1942 argumentierte sie, Filmkonservierung sei mindestens so wichtig wie die Sammlungen in Buchbibliotheken und Kunstmuseen. Dadurch würde «Anschauungsmaterial für spätere Generationen» erhalten bleiben.

Ein Finanzierungsmodell sah vor, dass der Filmclub gewisse Filme aus dem kommerziellen Angebot patroniere, also empfehle, und dafür von der Filmwirtschaft entschädigt werde. Die Kino- und Verleihverbände befürchteten in den privaten Clubs aber eher Konkurrent*innen als Verbündete und waren an einer Kooperation nicht interessiert. Das Projekt brauchte aber auch staatliche Unterstützung. 

Das halbprivate-halbstaatliche Filmarchiv wurde anfänglich mit 5'000 Franken und 1947/48 sogar mit 10'000 Franken unterstützt. Angesichts der Defizite des kantonalen Haushalts erklärte die Regierung jedoch, keine weitere Unterstützung mehr zu geben, sofern diese Einrichtung von gesamtschweizerischer Bedeutung nicht auch von anderen Kantonen finanziell unterstützt würde. Und der Bund? Er erklärte, kein Geld dafür zu haben.  

In Zürich blickte man anerkennend auf die Basler Initiative. Es hatte wegen fehlender Unterstützung das Schweizerische Theatermuseum an Bern verloren und lobte Basel dafür, dass es sich im Filmbereich für das «wertvolle Sammlungsmaterial» einsetzte. (NZZ vom 7. Okt. 1943)

Unvorhergesehene Kosten für die aufwendige Lagerung der brandgefährdeten Filme belasteten das Pionierunternehmen. Ferner musste mit zusätzlichen Kosten gerechnet werden, weil Filmkopien nach mehrfacher Projektion neu überspielt werden mussten. Im Laufe des Jahres 1948 zeigte sich immer deutlicher, dass in Basel das Filmarchiv nicht weiterbetrieben werden kann. Die Stadt Lausanne zeigte sich interessiert, hier wirkte die in der französischen Schweiz ohnehin grössere Wertschätzung für den Film.

Im Oktober 1948 wurden Verhandlungen aufgenommen, im April 1949 die Übernahmevereinbarung unterzeichnet, im Mai 1949 kam es zum offiziellen Übergabeakt und das Archivmaterial wurde mit zwei Lastwagen an den Genfersee verfrachtet: 814 Filme auf 1148 35mm-Rollen, 1'300 Standfotos, 308 Bücher und zahlreiche Broschüren, 169 Schachteln mit Zeitschriften, 55 Schachteln mit Zeitungsausschnitten.

Die Geschichte von «Le Bon Film» wird im Buch «Aus Enthusiasmus fürs Kino! 90 Jahre le Bon Film» (Hrsg. Thomas Schärer im Basler Schwabe Verlag 2022)

auf vielseitige Weise dargestellt. In einem ersten Teil des Buches vom Zürcher Filmhistoriker Thomas Schärer geschrieben, steht die Geschichte von «Le Bon Film im Zentrum», ergänzt durch zahlreiche Interviews mit aktiven Mitgliedern. In fünf kürzeren Beiträge beleuchten Thomas Tode, Dominique Rudin, Pamela Jahn, Brigitte Häring und Roman Scheiber besonders wichtige Aspekte aus der Geschichte des «Bon Film».

Nach dem gegenwärtigen Stand unserer Kenntnisse war das ein stiller Abgang. In den folgenden Tagen fand sich in der Basler Presse kein Kommentar, schon gar nicht ein Aufschrei über den Verlust. Wochen später kam es immerhin zu einer Äusserung in den «Basler Nachrichten»: Sie sprach von einem «sang- und klanglosen Aufgeben» des Archivs, von einem «betrüblichen» Verlust, der auf lange Sicht in der «Filmstadt Basel» (!) eine fühlbare Lücke hinterlassen werde. Basel habe durch den Wegzug einen Teil seiner Bedeutung als Schwerpunkt im schweizerischen Filmwesen eingebüsst. (kr., 27. Juni 1949) Das Bedauern darüber dürfte in der Kulturstadt am Rheinknie erst mit zunehmender Distanz zum eigentlichen Vorgang vermehrt empfunden worden sein und in diesem November, wenn in Lausanne das 75-jährige Jubiläum gefeiert wird, für einen Moment wieder aufkommen.

Das Schweizer Filmarchiv

«Es ist ein Überlebenskampf»

Dass das Kultkino leidet, ist nicht neu. Der Ton der Betreiber*innen klingt aber deutlich alarmierter 

. «Es ist eine grosse Frage, wie lange die Kultkinos noch durchhalten», sagt Bermond heute. Sie räumt zwar ein, dass jetzt gerade Sommerloch sei und man das von vergangenen Jahren kenne. 

Aber weder die Situation vor den Sommerferien noch die Aussicht auf den Herbst beruhigen die Kino-Chefin. Denn eine Chance, die Basler*innen zurück ins Kino zu holen, besteht nur, wenn auch Filme auf dem Programm stehen, die Publikum anziehen. Und davon seien zur Zeit wenige in Sicht. «Wir hatten in den letzten Wochen zum Teil einen Filmstart pro Woche», erklärt sie. «Das hat es in der Geschichte unserer Kinos, glaube ich, noch nie gegeben.» 

, klingt besorgt. Sehr sogar. Ihre Branche – das heisst, die Arthouse-Kinos – hätte sich noch nicht von der Coronapandemie erholt. «Wir leiden massiv», erklärt sie am Telefon. «Das ist ein Überlebenskampf, ich kann es nicht anders sagen.» Der Grund: Ausbleibendes Publikum. 

«Wir haben immer noch bis zu minus 50 Prozent Publikum», sagt Bermond in ernstem Ton. Die aktuelle Situation sei «wirklich sehr prekär». Der Publikumsausfall gehe jeden Monat an die Substanz. 


Bist du ein Arthouse-Fan? Oder bevorzugst du Blockbuster im grossen Kino-Komplex? Erzähls uns in den Kommentaren.

Normalerweise würden die Besucherzahlen im September, spätestens Oktober wieder anziehen, so Bermond. Ob das dieses Jahr auch eintrifft, ist ungewiss. «Ich sehe jetzt im September noch viel zu wenig Filme.» Immerhin könnte das heute Mittwoch startende 

 Abhilfe schaffen, sie seien zuversichtlich, dass danach mehr Filme im Angebot stünden, erklärt Bermond. Was jedoch ab Oktober passiere und ob die Basler*innen auch dank grösserer Auswahl wieder ins Kino kommen werden, sei ein grosses Fragezeichen. Eine Entschärfung ist also nicht in Sicht. 